Kuidas saada populaarseks muusikuks. Mida peab algaja muusik teadma. Treenib distsipliini, enesekontrolli ja keskendumisvõimet

Kellel meist poleks lapsepõlves unistust saada lauljaks, näitlejaks, modelliks või muusikuks? Võib-olla rääkis iga teine ​​sellest oma vanematele ja vastuseks kuulis ta midagi sellist: "Noh, jah, sinust saab kindlasti" või radikaalne "Kasva suureks - saate aru, et see pole sinu oma!".

Aga mis siis, kui inimene teab, et muusika on tema armastus ja kutsumus ning seetõttu pole sõnad “tahan muusikuks saada” tema enda poolt lihtsalt õhku visatud, vaid on täiesti tähendusrikkad?

Esiteks on oluline mõista, et muusiku tegevus eeldab tohutut vastutust enda ja oma tegude eest. Ja ei piisa ainult otsingupäringu "kuidas saada muusikuks" sisestamisest kuskil Internetis. Tuleb palju õppida, endaga tööd teha, harjutada ja end täiendada.

Ja alles siis saab mõelda, kuidas saada muusikuks. Sa ei saa selleks, kui sa ei oska ühtegi muusikainstrumenti mängida.

Kes on muusik

Tundub, et vastus on väga lihtne: muusik on see, kes oskab mängida üht paljudest muusikariistadest. Sel juhul on puhtalt teoreetiliselt muusik, kes oskab mängida aluspükstest kummipaela või mängutrummi peal. Ja selgub, et sümfooniaorkestri muusikute tase on kõigile kättesaadav?

See on kõik, asi on selles, et kuidas saada kuulsaks muusikuks – nii et kõik on valmis, aga kuidas selle kallal päriselt tööd teha – soovijaid on vähem.

Muusik pole lihtne inimene, kes on õppinud mängima klaverit, kitarri, trummikomplekti, balalaikat või püksikummi. See on inimene, kes mitte ainult ei mängi, vaid tunneb muusikat.

Muusika tunnetamine on oluline, sest iga meloodia on kordumatu ning ainult tõeline muusik suudab seda õigesti ja emotsionaalselt esitada. Uskuge või mitte, aga isegi elementaarne jõud, mida rakendatakse kitarri keelele või klaveriklahvile, loob teatud aktsendi ja teatud meeleolu.

Mõnel juhul ei pruugi inimene isegi muusikat tunda. Kuid see on pigem erand reeglist: sellistel inimestel on fenomenaalne muusikakõrv, nad reprodutseerivad kuuldut kergesti ja kirjutavad sageli ise muusikat. Samal ajal, kui nad mõtlevad, kuidas saada muusikuks, soovitatakse neil ka noodid selgeks õppida, isegi kui nad neid enam ei vaja.

Millised on muusiku elukutse tunnused

Saime aru, kes on muusik, nüüd vaatame, millega tegelevad need muusikud, kes on oma hobist elukutse teinud.

Igal juhul on muusikul kohustused, mis on ametisoleku ajal lepingus ette nähtud.

Muusikud tuuritavad sageli kontsertide või etendustega.

Samas ei pea muusik laulma oskama, aga kui oskab, avarduvad tema võimalused kõvasti.

Vaatame nüüd lähemalt, kuidas muusikud saavad.

Olulised tingimused

Et mõista, kuidas saada muusikuks, tuleb esmalt kindlaks teha, kas inimene vastab vajalikele kriteeriumidele ja kui mitte, siis kas ta suudab ja on valmis neid täitma. Vajalikest saab eristada järgmist.

• Muusikakõrva olemasolu - kaasasündinud (ideaaljuhul) või omandatud (välja kujunenud muusika õppimise käigus).
• Tuleb omandada eriharidus: vähemalt muusikakool lõpetada.
• Muusikaline kõrgharidus on suur eelis.
• Vastutustunne, tulemustele keskendumine.
• Soov ja võime areneda ja täiustuda.
• Oma muusikariista olemasolu. Kelleltki on võimalik rentida või laenata, kuid see on mõnevõrra naeruväärne.

Haridus peab muusikul olema

Paljud inimesed mõtlevad, kas ilma on võimalik muusikuks saada eriharidus. Teoreetiliselt on see võimalik: on ju geeniusi, kes on loomult nii andekad, et mängivad suurepäraselt ilma noodikirja tundmata või minimaalsete teadmistega. Kuid neid inimesi on üks miljonist. Ja isegi nad hakkavad sageli õppima, kui on juba oma karjääri tipus.

Muusikakool on miinimum, mis peaks olema.

Muusikute koolitamisele keskendunud ülikooli või teaduskonna diplom – mitte nõutav tingimus aga eelis.

Seetõttu on küsimus "Kuidas saada professionaalseks muusikuks ilma hariduseta?" - naeruväärne küsimus. Vastus: mitte mingil juhul.

Raskused muusiku ametis

Oluline on meeles pidada, et muusiku töö pole kerge ja pilvitu. Praegu on muusikuid päris palju ja kõik tahavad head raha teenida. Teisisõnu, konkurents on tohutu. Sest kuidas saada muusikuks, pole enam nii raske küsimus kui töö leidmise probleem.

On vaja osata ennast, oma mängu, isiksust huvitada. Hea muusik oskab panna muusikasse tundeid, emotsioone: tugevust või vastupidi, nõrkust, armastust või vihkamist, soojust või külma. Kui te ei saa aru, mida kõnealune- sulge see leht ja otsi end mõnest muust kunstivaldkonnast või parem – mitte kunstist.

Peate vastutama. Paljude muusikute elukutse meenutab puhkust ja sellesse pühasse on oluline end mitte kaotada. Näiteks on teada palju juhtumeid, kui muusikud kaotasid ööklubides töö raske pohmelli tõttu süstemaatilise töölt puudumise tõttu.

Kust tööd leida

Sõltuvalt mängitavast pillist, žanrist ja enda soovidest võivad muusikud osaleda erinevates projektides ja töötada täiesti erinevates asutustes ööklubidest ooperimajadeni. Igal juhul on nende ülesanne täita oma kohustusi asutuse ees, kus nad töötavad.

Lisaks ei pruugi muusikud olla määratud ühte kindlasse töökohta. Sageli reklaamivad nad üritusel sooloesinemist, võtavad vastu avaldusi, sõlmivad lepingu, esinevad ja saavad tasu. Seda meetodit kasutavad ka alalisel töökohal töötavad muusikud. Sel juhul on vajalik hea juhtimis- ja suhtlemisoskus või palgata inimene, kes tegeleks organisatsiooniliste ja äriliste küsimustega. Oluline on mõista, et juhi palkamine on õigustatud ainult siis, kui sissetulek seda võimaldab. Lisaks on vaja leping korrektselt vormistada ja ilma pädeva advokaadita seda teha ei saa. Usaldusväärse juristi abiga saate kõikidele klientidele välja töötada ühe näidislepingu ning tingimuste muutumise korral, näiteks mõne kliendi soovil, pöörduda tema poole teenuste saamiseks.

Samuti peate mõistma, et töö võib olla hooajaline: kohvikus või restoranis avatud terrassil, suvises ööklubis, aga ka projekti, pühade või juubeliürituste ajal.

Muud võimalused muusikuks saada ja selle eest tasu saada

Kui muusik pole valmis endale sobivat tööd otsima, kuid plaanib siiski professionaalsest vaatenurgast täielikult muusikale pühenduda, siis võib proovida muid võimalusi muusika kaudu raha teenimiseks. Kõik need ei garanteeri kõrgeid sissetulekuid ja üldjuhul ei taga alati ka seda, et see sama sissetulek oleks ning seetõttu on soovitav teha mõnda järgnevast, kombineerides seda muu töö või õppimisega. Siin on mõned näidised.

• Registreerige YouTube'i kanal ja laadige sellele üles videod oma esinemistest. Kui teil on palju tellijaid ja vaatamisi, võite hakata teenima.
• Hakka tänavamuusikuks.
• Osalege toetuste või rahaliste auhindadega konkurssidel. Kuid neid pole nii palju.

Järeldus

Seega järeldame, et soovist üksi ei piisa. Peate läbima enesetäiendamise tee, et saaksite oma muusikainstrumenti suurepäraselt mängida ja võib-olla rohkem kui üht. Töö leidmine võib võtta palju aega või olla rohkem kui lihtne – palju oleneb õnnest ja oskusest end esitleda, ennast õigesti soovitada.

Heategevuslik seinaleht Peterburi koolilastele, lapsevanematele ja õpetajatele "Lühidalt ja selgelt kõige huvitavamast". 65. väljaanne, oktoober 2014.

1. oktoobrit tähistatakse kõikjal maailmas Rahvusvaheline muusikapäev. See asutati 1973. aastal Rahvusvahelise Muusikanõukogu initsiatiivil. See on rahvusvaheline valitsusväline organisatsioon, mis koondab professionaalseid ja amatöörmuusikaorganisatsioone kõigist riikidest. Selle päeva eesmärk oli "muusikakunsti levik ühiskonna kõigis sektorites ning rahvastevahelise rahu ja sõpruse ideaalide elluviimine, kultuuride arendamine, kogemuste vahetamine ja vastastikune austus üksteise esteetiliste väärtuste vastu". Meie riigis hakati rahvusvahelist muusikapäeva tähistama kuulsa helilooja Dmitri Šostakovitši jõupingutustega alates 1996. aastast.

“Armasta ja uuri suurt muusikakunsti: see avab sulle terve kõrgete tunnete, kirgede, mõtete maailma. See muudab teid vaimselt rikkamaks, puhtamaks, täiuslikumaks. Tänu muusikale leiad endas uusi, senitundmatuid tugevusi. Näete elu uutes värvides ja värvides."

Dmitri Dmitrijevitš Šostakovitš(1906-1975) - silmapaistev vene helilooja, pianist, õpetaja ja ühiskonnategelane, üks 20. sajandi suurimaid muusikategelasi. Kuulsa "Leningradi sümfoonia" autor, mis kõlas ümberpiiratud Leningradis 9. augustil 1942. aastal. Sümfoonia esitusest sai meie kangelasliku linna elanike elus oluline sündmus.

- Kuidas sa elad "absoluutse" helikõrgusega?

Absoluutne helikõrgus ei ole sugugi “parim” helikõrgus, nagu mõnikord arvatakse, vaid üks paljudest muusikalise helikõrguse tüüpidest. See on inimese kaasasündinud võime "noodiga kuulda". Kui sellise kuulmise valdaja kuuleb meloodiat, kuuleb või õigemini näeb ta meloodia moodustavat nootide jadat automaatselt. See on kõik. Paljud muusikud peavad absoluutset helikõrgust üldiselt kahjulikuks, kuna see võib negatiivselt mõjutada teiste kuulmistüüpide arengut ja raskendada muusika nautimist. Pole ühtegi inimest, kellel oleks hiilgavaid muusikalisi võimeid kõigis muusikavaldkondades. Keegi tunneb kergesti ära valesti esitatud meloodia. Keegi saab kohe aru: mis pillil ta muusikat mängib. Kellegi jaoks ei tööta rütmitaju halvemini kui stopper. Kõik need võimed on välja arendatud erinevad inimesed erinevalt. Nii et me ei peaks kadestama absoluutse helikõrguse omanikke ja üldiselt - me ei tohiks kadestada. Me kõik oleme erinevad, erinevate võimetega ja see on hea.

- Kas muusik saab vestluskaaslase häälest aru, et ta petab teda?

Võib olla. Kui inimene valetab, muudab ta alateadlikult oma hääle tämbrit ja ta ei suuda seda peaaegu kontrollida. Muusikud, kes oskavad hästi eristada erinevate muusikariistade helisid, kuulevad seda "vale intonatsiooni". Seda tüüpi kuulmine on teatriülikoolide õppejõudude seas väga hästi arenenud. Pole ime, et kuulus teatrijuht Stanislavski kordas oma mitte vähemat kuulus lause: "Ma ei usu!" Ta ei uskunud täpselt näitlejate kõne vale intonatsiooni. Pean näitlejatelt ja skautidelt küsima, kuidas nad treenivad!

- Miks on mu hääl salvestusel nii vastik?

Kui me räägime või laulame, pääseb heli meie kõrvu kahel viisil: läbi õhu ja läbi koljuluude. Selle tulemusena kuuleme omamoodi kahe heli segu. Inimene harjub sellise seguga, oma hääle kõlaga ja peab seda normaalseks. Kui ta kuulab salvestusel enda häält, kuuleb ta ainult neid helisid, mis tulevad läbi õhu. Seetõttu peab ta oma häält (asjata!) "Ebaloomulikuks". Muide, iga salvestis, isegi väga hea, on alati vähem rikkalik kui elav heli. Selgelt on kuulda vaid helide keskmised sagedused ning kõik ülejäänud madalad ja kõrged, mida inimene ka märkimisväärselt kuuleb, on “ära lõigatud” või moonutatud. Ja muusika kuulamine kõrvaklappidest, eriti nendest, mis on sisestatud kõrvakanalisse, nii väikestesse, on üldiselt ohtlik. Kuulmekile on suur surve. Sellest alates hakkab meie kõrv järk-järgult, kuid üsna kiiresti kurtuma. Üldiselt proovige kuulata muusikat "otses", eriti seda, kus pillide tämber on eriti rikkalik - viiul, vioola, tšello.

Kust tuli sõna "muusika"?

Sõna "muusika" pärineb kreekakeelsest sõnast μουσική või "mousike", kui see on kirjutatud ladina tähtedega. Kui kreeka sõna tõlgitakse täielikult ladina keelde, saadakse sõna "musica". See sõna on vene keeles ja kõlab nagu "muusika". Kreeka sõna pärineb sõnast "muusa". See tähendab, et "muusika" on see, mida "muusad" patroneerivad, mida "muusad" teevad. Kreeka mütoloogia kohaselt ei patroneerinud muusad mitte ainult muusikat meie tänapäevases tähenduses. Nad patroneerisid teadusi ja palju muud. Sõna "Muusad" on vanakreeka keelest tõlgitud kui "mõtlemine". AT Vana-Kreeka mütoloogia"mõtlevad muusad" on jumal Zeusi ja mälujumalanna Mnemosyne tütred. Zeus tootis ka atmosfäärielektrit. Kreeklased uskusid, et muusaid on üheksa. Ja nad läksid oma asjadega tegelema. Calliope – eepiline luule. Euterpe – lüürika ja muusika. Melpomene on tragöödia. Thalia on komöödia. Erato – armastusluule. Polühümnia – pantomiim ja hümnid. Terpsichore – tantsimine. Clio on ajalugu. Uraania – astronoomia. Kui tõlkida sõna "muusika" nii, nagu vanad kreeklased seda mõistsid, siis luule, teater, tants, ajalugu ja astronoomia on kõik muusika. Üldiselt on kõik teadused ja kunstid muusika. Tegelikult on küll. Hämmastav muusika kõlab kõige ilusamates füüsikalistes ja matemaatilistes teooriates, sellest teavad kõik endast lugupidavad teadlased. Võtame näiteks "Einsteini relatiivsusteooria", täiesti täiuslik asi, mitte halvem kui Bachi fuugad. Arhitektuur on muusika kivis. Sanskriti keeles, indiaanlaste iidses keeles, on muusika "külmunud matemaatika". Ja India muusika on praegu vanim olemasolev. Klaverit või orelit ei saa hästi häälestada ilma heade füüsika- ja matemaatikateadmisteta. Täpsemalt on võimatu välja mõelda neile sobivat muusikasüsteemi ja õiget arvu klahve. Nii et vanad kreeklased olid üsna targad.
Muusade sarkofaag (2. sajand pKr. Louvre, Pariis).

Kes ja kuidas muusika välja mõtles?

See on väga lihtne küsimus. Ja samal ajal, nagu kõik head küsimused, on see väga raske. Pole ühtegi inimest, kes auto leiutas. Keegi leiutas ratta, keegi leiutas viisi rataste ühendamiseks vaguniks, keegi leiutas auto mootori. Ja selliseid inimesi oli läbi inimkonna ajaloo väga-väga palju. Sama olukord on nootidega. Inimesed on laulnud iidsetest aegadest peale. Emme laulis lapsele hällilaulu, olid rituaalsed laulud ja tantsud enne jahti, sõda. Kõik need meloodiad, laulud, muusika loodi kas liikvel olles või edastati ühelt inimeselt teisele suuliselt, kõrva järgi. Siis aga tahtsid inimesed tasapisi muusikat, laule täpsemalt edasi anda. Just siis tekkisid esimesed katsed helisid märkidega salvestada. Algul nad lihtsalt märkisid, kuhu meloodia läks - kõrgemale või madalamale. Selliseid märke nimetati "nevmyks" ja neid kasutati Euroopas, Bütsantsis, Venemaal, Armeenias ja mujal. Siin on, millised nad välja nägid.
Fotol on Armeenia neumed 12. sajandi käsikirjast.

Kuid nagu me mõistame, ei ole selline meloodia kirjeldamise viis kuigi täpne. Heli kohal võib olla palju helisid. Ja ka allpool. 11. sajandil elas Itaalias Arezzo linnas munk Guido. Tema nimi oli muidugi Guido d'Arezzo, Guido Arezzo linnast. Kloostris õpetas Guido poisse laulma. Igal hommikul alustati lauluga. Laululauluna kasutasid nad "Jaani hümni". Meile lähevad korda ka hümni sõnad. Kuigi sa itaalia keelt ei oska, annan sulle ikkagi hümni sõnad, see on huvitav. Tunned ära palju tähti. See on hümn-palve, mida püha Johannes (laulu kaitsepühak) aitab kõlada lauljate hääled, kes ülistavad Issandat, ülistavad ilma käheduseta. Poisid pidid hümni iga rea ​​eelmisest pisut kõrgemalt laulma. Kuid nad olid segaduses ja valed. Siis nad nutsid. Et aidata oma õpilastel meloodiat meeles pidada, otsustas Guido helikõrguse paberile kirjutada, andes igale helile nime. Nii et sa võiksid laulda, piiludes petulehte.

Guido asetas hümni esimese salmi iga rea ​​esimesed silbid neljale reale – ruudukujuliste ikoonide kujul. Astmetena kasutati nelja joonlauda ja nende peal olid nagu redelil kandilised noodid-noodid, millest igaüks vastas teatud kõrgusega helile. Guido kasutas märkmete paigutamiseks punaseid, musti ja kollaseid joonlaudu. Ta lõi lastele selge ja visuaalse muusikalise tähestiku. Nüüd teavad Guido Aretinsky nime kõik maailma muusikud.
Mälestustahvel majal, kus Guido elas.

Aja jooksul, kuni tänapäevani, on Guido noodikirja täiustatud. Kõik joonlauad ja ikoonid joonistati mustaga, ikoonid muutusid ümmargusteks, vaiale lisati viies joonlaud ja pulgad, mis näitavad nootide kestust. Palju on muutunud. Kuid põhinootide nimi (do, re, mi, fa ...) on säilinud tänapäevani. Aitäh Guido!
Kaasaegne noodikiri.

Erinevate pillide - klaver, orel, kitarr, trummid ja teised - noodikiri näeb välja erinev. Muidugi on sellel oma spetsiifika, näiteks trummi põnnimine pole sinu jaoks hümnide laulmine! Aga me rääkisime Euroopast. Näiteks Hiinas tekkis 12-noodiline muusikaline skaala Lü-Lü mitu tuhat aastat enne meie ajastut, ammu enne euroopaliku loomist. Konfutsiuse aegne (VI sajand eKr) noodisüsteem oli väga rikkalik, see ei piirdunud ainult teabega heli kõrguse ja kestuse kohta, nagu praegu kombeks, vaid näitas, kuidas heli võtta, mis tämbrit. ja heli tugevus peaks olema ja palju muud muud võimalused. Indias ja paljudes teistes kultuurides oli märkmete salvestamise viise. Sellest võib pikalt rääkida. Parem on, kui kasvate suureks ja loete Hiina, India, Jaapani, Vana-Kreeka ja teiste kaunite paikade imelisest kultuurist.

– Kas vastab tõele, et teistel rahvastel pole seitset nooti üldse?

Tõde. Näiteks araablastel on 17 nooti. Indiaanlastel on koguni 22 nooti. Muistsed indiaanlased uskusid, et muusikariistade kõla peaks olema väga sarnane inimese häälega, ilmselt seetõttu on India muusikakultuuris nii palju noote. Ja hiina keeles - ainult 5 põhinooti. Arvu "viis" peavad hiinlased pühaks: neil on viis põhiplaneeti, viis elementi, viis maitset, värvi, meeleelundid... Muusikat on Hiinas alati peetud riikliku tähtsusega asjaks. Keisri õukonnas oli terve muusikaline "ministeerium". Kuulsate muusikute hulgast määrati ametisse ametnikud, kes reisisid mööda riiki ja häälestasid kõiki muusikainstrumente. Hiina muusikatraditsioon pärineb mitu aastatuhandet ja on võib-olla maailma vanim. Jah, muide, “meil” pole üldse seitset nooti, ​​vaid 12 - loendage klaveril olevate klahvide arv ühe oktaavi piires: seitse valget ja viis musta!

Alustuseks meenutagem, kuidas klaveri, klaveri, tiibklaveri klaviatuur üldiselt välja näeb. Klaveril on 88 klahvi ja need on jagatud oktaavideks. Igal oktaavil on noodid: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La ja Si. Noote nimetatakse näiteks nii: esimese oktavi La või kontraoktavi Fa. Kõik see kehtib klaveri valgete klahvide kohta. Mustad klahvid on kitsamad ja veidi kaugemal ja veidi kõrgemal kui valged. Muide, need ei olnud alati mustad. Varem värviti valged klahvid mõnikord mustaks ja mustad klahvid tehti valgeks. Aga nüüd oleme sellisega harjunud. C-st ühe oktaavini C-ni järgmise oktaavini on lisatud täpselt 12 klahvi: 7 valget ja 5 musta. Oleks võimalik teha 6 valget ja 6 musta, muusika oleks sama. Need 12 klahvi ühes oktavis võimaldavad meil mängida peaaegu igasugust muusikat. Viiulil puuduvad klahvid, kuid sellel mängivad muusikud ühe oktavi piires täpselt sama 12 nooti. Jaotus valgeteks ja mustadeks klahvideks on tingimuslik, nagu juhtus. Ja miks see juhtus? Asi on selles, et meie Euroopa muusika on vanakreeka, Pythagorase muusika edasiarendus. Pythagoras juhtis 6. sajandil eKr tähelepanu helide ja matemaatiliste suuruste vahelistele suhetele ning mõtles välja muusikalise skaala, helide komplekti, millega oleks mugav muusikat mängida – 7 heli oktavis, mis vastavad ligikaudu meie seitsmele. valged klahvid klaveril. Kuid 7 noodil mängimine pole üldse vajalik. Hiinlased mängisid 5 nooti (pentatoon), araablased 17, indialased 22. Me lihtsalt harjume sellega, see on kõik. Seitsme noodi järgi mängimise harjumuse tõttu moodustati klaverile seitse valget klahvi. Kuid valgete klahvide vaheline kaugus osutus ebaühtlaseks. Do ja Re vahel - üks toon, Mi ja Fa vahel - pool tooni. Selleks, et saaksime mängida suvalises võtmes, alustada oma muusikat suvalisest noodist, on vaja lisaklahve valgete vahele, kus nendevaheline kaugus on suur, toon. Ja selgus, et 5 täiendavat musta klahvi. Kuid kordan, sellel jaotusel pole peaaegu mingit tähendust. Kitarril, viiulil, harfil ja flöödil selliseid rikkeid pole ja nendel pillidel saab muusikat mängida mitte vähem imeliselt kui klaveril.
Fotol - väike osa klaveriklaviatuurist - oktav.

Mis oli kõige esimene muusikainstrument?

Proovime koos mõelda. Muidugi ei tea keegi, milline muusikainstrument oli kõige esimene. Kui see ilmus, polnud veel muusikat ja muusika mängimiseks polnud ka spetsiaalseid instrumente. Seetõttu kasutasid inimesed improviseeritud vahendeid, mis olid läheduses. Mis on inimesele kõige lähedasem? Mees ise. Ja nii kasutas mees end muusikainstrumendina. Ta laulis, karjus, plaksutas ja tegi väga erinevaid hääli, imiteerides loodushääli ning lindude ja loomade hääli. Teiseks pilliks oli suure tõenäosusega trumm või lihtsalt löökpillid. Koputada sai väikese mammuti luuga suurele orava luule, rütmiliselt. Nii sai rütm välja, muusika tuli välja. Kolmas tüüpi pillid olid ilmselt puhkpillid, kõikvõimalikud torud, metsasarved ja flöödid. Kreeka mütoloogia järgi valmistas esimese muusikariista – karjase piibu – jumal Pan. Ühel päeval hingas ta kaldal pilliroopilliga mängides läbi pilliroo välja ja kuulis, kuidas tema hingetõmme mööda tüve läbis kurba häält. Ta lõikas tüve ebavõrdseteks osadeks, sidus need kokku ja nüüd oli tal esimene muusikainstrument! Seda nimetatakse "Paani flöödiks".
Pan oma flöödiga. Illustratsioon raamatust A History of Greece for Boys and Girls, 1910ndad.

Orpheuse lüüra, neljakeeleline muusikainstrument, oli Vana-Kreekas väga populaarne. Võib-olla tuli seal mõni kreeklane selle peale. Kuid nüüd usuvad arheoloogid, et esimesed keelpillid, väikesed harfid, loodi Mesopotaamias, tänapäeva Iraani territooriumil. Nende vanus on umbes neli tuhat aastat. Hiinas lõi kollane keiser Huang Di legendi järgi neli tuhat aastat eKr esimese muusikasüsteemi ja esimesed muusikainstrumendid. Kaks lindu, fööniksid, isane ja emane, hammustasid bambusevarsi õigetest kohtadest ja lõid 12 erineva heliga flööti. Nad lõid esimese skaala, kuus meessoost ja kuus naiselikku nooti. Siis käskis Huang Di valada flöötidega sama kõlaga kellasid. Ka Hiina arheoloogilised leiud näitavad, et esimesed flöödid ja esimesed kellad valmistati tuhandeid aastaid enne meie ajastut. Üldiselt on kõik muusikariistad head. Peate lihtsalt teadma, kuidas neid mängida. Võid kujutada suurepärast rütmi kasvõi koolilaua kaanel või vanaisa kiilas peas.
Jean-Louis Doucis. Orpheus ja Eurydice, 1826

Mis on kõige kaasaegsem instrument?

Inimkonna ajaloo jooksul on inimesed leiutanud väga erinevaid igasuguseid muusikainstrumente. Kõik need olid väga erinevad, ja löökpillid ja vaskpillid ja keelpillid. Orelid, viiulid, lautsid, klavessiinid, bandžod ja paljud, paljud teised. Kuid kõigil neil pillidel oli üks ühine joon – nende kõla oli loomulik, loomulik. Midagi loomulikku, venitatud keel, toru või kelluke kõlas iseenesest, oli vaja ainult õppida, kuidas neist heli välja tõmmata. Kuid umbes 20. sajandi keskpaigas ilmusid tehnoloogia ja elektroonika arenguga täiesti uued muusikariistad. Nendes ei olnud ühtegi helisevat eset, ei keeli ega helisevaid torusid. Nad sünteesisid heli. Selliseid instrumente nimetatakse süntesaatoriteks. Nende pillide, õigemini isegi arvutite abil oli võimalik luua mis tahes helisid, kõige erinevamaid. Ja sarnaselt klaveri, viiuli või saksofoni kõlaga ja isegi selliste helidega, mida varem üldse polnud. Kas sul on arvuti? Aga süntesaator? Heli luuakse, sünteesitakse ja seejärel juhitakse läbi helivõimendi akustilistesse kõlaritesse, kust me seda kuuleme. Selliseid kõlareid nägite kas oma isa arvuti või ema teleri kõrval.
kaasaegne süntesaator.

Kuid paljud, eriti muusikud (ka mina), eelistavad heli mitte süntesaatorist, vaid elavast, päris instrumendist. Ja nüüd on palju inimesi, kes tulevad välja imeliste instrumentidega, akustiliste, mitte elektrooniliste, mitte süntesaatoritega. Üks neist entusiastlikest leiutajatest, muusikutest on meie kaasaegne ameeriklane Chris Forster. Ta tegi ja esitab ise muusikat oma pillil, mille nimi on "Chrysalis". Seda tööriista võib nimetada ka kõige kaasaegsemaks. Kasva suureks ja loo oma instrument, mida sa armastad!
Chris Forster ja tema Chrysalis.

Mis on kõige valjem instrument?

Olete kindlasti näinud erinevaid muusikainstrumente, nii suuri kui ka väikeseid. Klaver, orel, viiul, flööt, trumm. Igaüht neist saab mängida nii valjult, et see paneb kõrva. Aga sa tahad aru saada – milline neist on kõige valjem? Lõppude lõpuks, kas sa tahad? Ahh... Esmapilgul tundub, et kõige suurem pill läheb kõige valjemaks. See on peaaegu täpselt nii. Peaaegu. Suurim instrument on orel. Selles on palju torusid, nii suuri kui ka väikeseid, õhku läbi nende puhutakse mitte inimese jõul, mitte tema kopsude jõul, vaid elektrimootorite abil. Ja neil võib olla peaaegu igasugune jõud.

Siin näeb orel välja. Kõigist praegu eksisteerivatest orelitest on suurim Ameerikas Atlantic Citys. Tundub, et see saab olema kõige valjem. Kuid kõik pole nii lihtne. Meie, inimesed, kuuleme madalaid, kõrgeid ja keskmisi helisid erinevalt. Me ei kuule väga madalaid helisid (infraheli), isegi kui nende võimsus on väga suur. Kõht võib neist kõikuda ja kõrvad peaaegu ei kuule selliseid helisid.
Saint-Étienne'i katedraali orel (Toulouse, Prantsusmaa).

Ja me ei kuule ka väga kõrgeid helisid, see pole enam heli, vaid ultraheli. Ja mis kõige parem, me kuuleme helisid, mis on klaveri ülemises registris, klaviatuuri paremal küljel. Sellised helid vastavad sagedusele 2,5-3 tuhat hertsi. Need on helid, mida me kuuleme väga hästi, isegi liiga hästi. Ja sellisel kõrgusel kõlavat helijõudu on meie kurdistamiseks vaja tuhat korda vähem kui orelipillide madalaid helisid. Need sagedused vastavad väikesele flöödile, mida nimetatakse piccoloks. Vaatamata sellele, et inimene ei saa seda puhuda sama jõuga kui orelit, tajume selle flöödi helisid väga valjuna. Võime öelda, et see on kõige valjem muusikainstrument ja jälle on meil õigus. Aga ma rääkisin akustilistest muusikariistadest. On ka elektromuusikalisi. Sellistes instrumentides sünteesib heli arvuti ja edastatakse võimendi kaudu akustilistesse kõlaritesse. Selliste pillide puhul pole helitugevusele praktiliselt mingeid piiranguid, heli saab teha mis tahes helitugevusega. Staadionidel on rokk-kontsertide ajal kohati heli nii vali, et linnud lendavad staadionil kilomeetri jagu ringi. Jah, ja inimestel on raske ja nad lendavad ükskõik. Ja kui pisut unistada, siis meie päikesesüsteemi kõige valjem muusikainstrument on meie Päike. Selle pinnale tekivad tohutud mullid, Päikese pind keeb. Ja sellest sünnib sellise tugevusega heli, et kui me oleksime Päikese atmosfääris ja ei sureks kuumuse kätte (ja seal on päris soe, mitu tuhat kraadi), siis sureksime kindlasti hirmsa mürina kätte.
Muusik mängib piccolo flööti.

Miks on keelpillidel erinev arv keeli?

Lihtsaim vastus teie küsimusele on see, et erinevad instrumendid mängivad erinevat muusikat. Aga vaatame natuke lähemalt. Vana-Kreeka muusikariistas Orpheus (lüüra) olid keelpillid "vabad". See tähendab, et neid mängu ajal ei näpistatud. Kui palju keeli sellisel instrumendil on - nii palju muusikalisi helisid saab nende abiga välja tõmmata. Aga palju ikka ei tööta. Just nendes pillides ja nende järglastes valmistasid nad erineva arvu keelpille – nii palju, kui palju noote mängida tahad. Tõenäoliselt on selle sarja kõige rikkalikum pill tänapäevane harf. Sellel on palju nööre, umbes 46. Ja seda pole lihtne mängida. Kuid heli on ilus ja saate mängida mis tahes meloodiat, mida soovite. Kui palju keeli, nii palju noote, näiteks klaveril ja tiibklaveril.
Kolumbias rahvusvahelisel lastemuusika festivalil mängib koolipoiss harfi.

Kui aga asetada keelpillidega paralleelselt plank, siis saab keeli selle vastu suruda, lühendades kõlavat nööri. Lühem keel kõlab kõrgemalt kui vaba keel. Seega on võimalik eraldada peaaegu igasuguse kõrgusega helisid. Selline lihtne seade – keelpillidega paralleelne plank, fretboard – rikastas muusikakultuuri kõvasti. Kui varem pidime iga uue heli jaoks oma keelpilli tegema, siis nüüd on moes see lihtsalt õigesse kohta näppida ja kõik. Põhimõtteliselt piisab monofoonilise meloodia jaoks ühest keelpillist. Ja seda on ajaloos juhtunud. Tuntuim ühekeeleline muusikainstrument on monokord, millega Pythagoras tegi muusikalisi ja matemaatilisi katseid. Venemaal mängiti poognataolise vibuga jne. Kuid siiski on üks nöör pigem eksootiline.
Antiiksed monoakordid Berliini muusikariistade muuseumis.

Ühel iidseimal keelpillil, Hiina kandlel Qin, mis sündis mitu aastatuhandet eKr teatud hiinlase poolt, võib-olla oli tema nimi keiser Huang Di, oli 5-7 keelt. Selle mängimise tehnika on väga keeruline. See oli ja on ka praegu tõeline kunst. Qini mängu üks suuri meistreid oli iidne mõtleja Konfutsius. Iidsetel keelpillidel mängiti peamiselt meloodiatega. Ja neid ei mängitud mitte kõigi 12 noodi järgi, mis praegu skaalal eksisteerivad, vaid seitsme järgi, nagu Kreekas kombeks, või viie järgi nagu Hiinas või 7 + 15 järgi, nagu Indias kombeks. Akorde, millega oleme nüüdseks harjunud, ei võetud üldse. Kui muusikud tahtsid mängida keerulisi akorde, sündisid kaasaegse kitarriga sarnased instrumendid ja uued muusika häälestused. Kaela ja mutriga. Sellesse tehti nii palju keelpille, et akordid, mis laulmist saatsid, kõlasid kaunilt. Tavaliselt piisas kuuest-seitsmest keelpillist. Basskitarril akorde ei võeta, seal mängitakse üksikuid noote. Ja neljast nöörist piisab, väga jämedad. Kui tekkis kaasaegne 12 noodiga muusikasüsteem (kõrvuti asetsevate nootide vahe on sama), hakkasid muusikud mängima muusikat erinevates võtmetes, muusikat kõrgemale või madalamale nihutama. Selline muusika nõudis juba muid pille, kus oleks lihtne teha mis tahes noote. Selle instrumendi klassikaline versioon on klaver. Selles on noodid (klahvid) paigutatud ritta. Ühes oktavis on 12 nooti ja mitu oktaavi. Nii selgub, et klaveril on palju - 88 - keeli (täpsemalt on keeli veidi rohkem, helide tugevuse suurendamiseks on kaks ja kolm identset keelt). Tulles tagasi vestluse alguse juurde: erinev muusika vajab erinevaid muusikainstrumente. Ja erinev arv stringe. Nagu nii.
"Qini kuulamine". Hiina keisri Zhao Ji joonistus, 11. sajand.

Miks kimalane sumiseb ja sääsk piiksub?

Teie küsimust parafraseerides võiks küsida: miks teevad kimalase tiivad lennu ajal madalat häält, sääse tiibadest aga kõrget häält? Mis on heli? See on helilaine. Kas mäletate järve laineid? Siin õhus on samad lained, ainult et neid pole näha. Seetõttu pole heli. Aga see on kuuldav. Järve peal olid suured lained ja väikesed lained, väga väikesed lained. Pikad ja suured lained ei muuda vees sageli harju ja lohke ning lühikesed lained sageli. Järve lained muudavad kõrgust ja õhurõhk muutub. Teadlased leidsid isegi spetsiaalse nime - laine sagedus. Proovige käega edasi-tagasi vehkida. Tõenäoliselt teete ühe sekundi jooksul liigutuse kolm või neli korda. See tähendab, et olete loonud helilaine sagedusega 3-4 hertsi. Herts on rahvusvaheline ühik perioodiliste protsesside (näiteks võnkumiste) sageduse mõõtmiseks. See on oma nime saanud 19. sajandi saksa füüsiku Heinrich Hertzi järgi. Üks võnkumine sekundis on üks herts; tähistatakse järgmiselt: 1 Hz. Kui 200 korda sekundis - siis 200 Hz, kõik on lihtne. Tõsi, sina ja mina ei saa nii sageli kätega vehkida – 200 korda sekundis. Kas olete märganud, et me ei kuule teie loodud laineid? Meie kõrv on loodud nii, et me ei kuule kõiki loodushääli. Alla 20 Hz (väga madal heli, vaevukuuldav sumin) me ei kuule ja üle 20 tuhande Hz (väga kõrge kriuksum) ei kuule me samuti. Ainult lapsed kuulevad seda, teie kuulete. Ja täiskasvanud, kes on juba üle 12-15 tuhande Hz, ei kuule helisid. Sellepärast on nad täiskasvanud. Seega saate kätega vehkida 3-4 korda sekundis sagedusega 3-4 Hz. Kimalane lehvitab tiibu sagedamini – 200 korda sekundis. Ja sääsk veelgi sagedamini - 500 korda sekundis. Mida kõrgem on sagedus, seda kõrgemat heli tekitatakse. Kimalane lehvitab tiibu suhteliselt aeglaselt ja kuuleme madalat heli, bassi ümisemist. Ja sääsk lehvitab kiiresti tiibu ja me kuuleme kõrget heli, kriuksumist. Linnud seevastu lehvitavad tiibu, nagu inimesed kätega, aeglaselt – vähem kui 20 korda sekundis. Nii et me ei kuule, kuidas nad lendavad. Me ei kuule helisid alla 20 Hz. Kuid on erilisi linde, väga väikesed - koolibrid. Nad suudavad tiibadega lehvitada 80 korda sekundis, tekitades 80 Hz heli. Ja me kuuleme seda heli tähelepanuväärselt – sellist madalat sumisevat heli, mis sarnaneb kimalase või paksu rohelise kärbse lendava häälega.
Kimalane lennus.

Miks põrsad nii kõvasti siplevad?

Kesk- ja mitte niisama keskajal oma Suurbritannia ümber laevadel udu sees sõitnud britid ei näinud ümberringi midagi, nagu pole raske arvata. Nad purjetasid rannikust eemale, et mitte kivide vastu põrgata, kuid siis võisid nad põrgata teise Inglise laevaga. Mul oli vaja sireeni. Sireene polnud. Aga oli sigu, kelle saba väänamisel lõi läbistava krigina. Just tema jäid teisele laevale udusse peidetud brittide tundlikud kõrvad kinni. Inglise sead piiksusid ja siplevad siiani, umbes sama sagedusega kõrge heliga. Kõlab umbes neljanda oktaavi klaveri helid sagedusega 2-3 tuhat Hz. Miks on sead nii kasulikud? Lõppude lõpuks saate saba ja härja keerata nii, et ta langes. Või panna laeva kajutipoiss huulikusse hüüdma: "Sulle läheneb uus objekt." Ei. Sead on paremad kui pullid ja poisid. Mis on parem? Inimene, nagu mäletate, ei kuule väga madalaid helisid, infraheli (alla 20 Hz) ja väga kõrgeid helisid, ultraheli (üle 20 tuhande Hz). Nii et kuskil keskel peaks olema sellised helid, mida inimene kuuleb paremini kui teised. See on absoluutselt sama, mis valgusega: inimene näeb kõige paremini rohelist ja kollast valgust, infrapuna- ja ultraviolettkiirgust - ei näe. Helid, mida inimene kõige paremini kuuleb, vastavad täpselt nende helide kõrgusele, millega sead piiksuvad - umbes 2,5 tuhat Hz. Nii selgub, et kui kõik loomad, sealhulgas inimesed, karjuvad või kiljuvad ühesuguse jõuga (see on muidugi mõneti meelevaldne oletus), siis tuleb valida kõigi hääli tegevate loomade hulgast need, keda inimene kõige paremini kuuleb. . Sigadele vedas. Muide, inimlapsed siplevad umbes samal seasagedusel (2,5 tuhat Hz). Ilmselt pole see juhus. Et ema neid hästi kuuleks. Aja jooksul, kui ilmusid mehaanilised sireenid, lasti kõik inglise sead kaldale, kus nad praegu elavad.
Sigadega on kõik selge. Ja nüüd natuke ooperilauljatest. Headel lauljatel on oma laulus kõige selgemini kuuldavad helid - vahemikus 2-3 tuhat Hertsi (ülemine lauluformant). See tähendab, et see sagedusala moodustab suurema osa heli energiast, võrreldes mitte-ooperilauljatega, kes laulavad vannitoas endale või naabritele. Täpselt seda ooperilauljatele õpetatakse – oskust pumbata helienergiat 2-3 tuhande hertsi vahemikku, et neid oleks hästi kuulda ka sümfooniaorkestri taustal. Neile aga ei õpetata mitte ainult seda – näiteks itaalia keelt, kalligraafiat, kõrvamassaaži ja palju muud. Nende inimeste hääle heli, milles "ülemine laulev formant" on selgelt väljendatud - kõlav, "lendav", "helisev". Pioneeridel ja Chaliapinil olid sellised hääled.

Miks nimetatakse rokki "raskeks"? Mis, kas seal on "lihtne"?

Juba sõna "rock" on inglise keel, see tõlgitakse vene keelde kui "rock", "rock". Kuid rokkmuusika pole hällilaul, selle peale on raske uinuda. Aga miks teda nii kutsuti? Rokkmuusika on paljude kaasaegse muusika tüüpide tavaline nimetus. See tuli bluusist. Ja bluus sündis Ameerikas, see neelas nii neegri- kui ka Euroopa muusikat. Bluusil oli eurooplase kõrva jaoks harjumatu rütm, selline svingiv. Muusika tugevad osad langesid mitte esimestele löökidele, vaid hoopis teistele, see andis muusikale ebatavalise hingamise. Kuid peamine, mis selles muusikas oli, oli rütm. Rütm Euroopa klassikalises muusikas on alati mänginud mitte esimest, vaid teisejärgulist rolli. Siin sai temast üks tähtsamaid elemente. Bluusist sündis esimene rokkmuusika – rock and roll. Rock and roll'i rütm on muutunud veelgi jäigemaks. Selline muusika on väga energiline, tekitab tahtmist tantsida, karjuda, lõbutseda ja mürada. Kui pöörate rütmile veelgi rohkem tähelepanu, peaks muusikarühma instrumentide hulka kuuluma basskitarr ja trummikomplekt - siis saate “hard rocki” või nagu seda nimetatakse ka “hard rockiks”. Nagu aru saate, ei saa trummikomplektil ja elektrikitarril vaikselt mängida. Selline muusika oli väga vali, seda esitati staadionidel ja suurtel avatud aladel. Paljudele klassikalistele muusikutele see muusika ei meeldinud, sest inimeste käitumine sellist muusikat kuulates ei sarnanenud üldse filharmoonia ja konservatooriumi inimeste käitumisega, kus inimesed istuvad vaikselt ja kuulavad vaikides muusikat. Ja rokikontsertidel tantsiti, karjuti, lauldi, käituti lärmakalt. See muidugi ei tähenda, et rokkmuusika halb oleks. Nagu iga teine ​​muusika, võib see olla nii hea kui ka halb. Bändid Queen, Led Zeppelin, Deep Purple ja paljud teised koosnevad imelistest andekatest muusikutest. Aga on muidugi palju keskpäraseid gruppe, kes tekitavad lihtsalt müra, väga valju müra, kuuldavuse piiril, inimese valuläve piiril.
"Hard rockist" sündis veel mitu suunda: heavy metal, glam metal. See on "veelgi kõvem rokk". Selliste kollektiivide muusikud mängisid väga valjult, sageli ei osatud meloodiat ja sõnu aimatagi. Muusikalisest vaatenurgast pole sellised bändid kuigi huvitavad. Mõiste "kivi" on väga lai. Mõnikord nimetatakse selliseks muusikaks ka biitlite muusikat, üsna meloodilist, lihtsate sõnadega. Suurepärast heliloojat Andrew Lloyd Webberit nimetatakse mõnikord ka rokiheliloojaks. Ta komponeeris täiesti erinevat muusikat kuulsast rokkooperist "Jesus Christ Superstar" kuni muusikalini "Kassid". Rokkmuusika alla kuuluvad ka "King Crimsoni" väga keeruline, raske muusika ja punk rock, kus meloodiat peaaegu ei tabata. Lühidalt öeldes on hard rock Led Zeppelini, Deep Purple'i ja nende vahetute järglaste muusika. Ja nende eelkäijate – biitlite, Rolling Stonesi või kaugete järgijate nagu A-Ha muusika on palju rohkem "kerge rokk".
Led Zeppelin on üks hard rocki rajajaid. 2007

Miks on Jaapani ja India muusika nii pikk?

Sellele küsimusele pole lihtne vastata. Kust alustada? Noh, alustame ajaloost. Kuni 5. sajandini eKr asustasid Jaapani saari kalurid ja põllumehed. Umbes sellest ajast hakkas Hiina kultuur imbuma Jaapanisse, ilmus konfutsianism, seejärel arenes budism, kunst, muusika, teater ja palju muud. Vanim Jaapani muusika, mida ma tean, on gagaku muusika. See ei ole Jaapani rahvamuusika, vaid Hiinast pärit keiserlik rituaalne muusika. Muusika pole lihtne, me pole seda praegu väga harjunud kuulama. Üle kõige meeldib mulle fueflöödi kõla. Kaugel kaasaegsest pole see muusika loodud naudinguks. Ja nüüd on peaaegu kogu muusika, mida kuulame, kirjutatud meie nautimiseks. Iidsetel aegadel oli Jaapanis fue flöödi mängimine hoopis teistsugune – zen-budistlike meditatsioonide jaoks muusika saatel. Jaapanlased ütlesid: "Fue't mängides näete nähtamatuid sfääre, kogu universumis on ainult üks laul." See lähenemine ei sarnane tänapäevase eurooplasega, kuid väga sarnane India omaga. See tähendab, et sellise muusika olemus on mitte saamine lihtne rõõm vaid vaimne praktika, viis oma loominguliste võimete arendamiseks. Meditatsioonipraktikad olid väga pikad ja nõudsid rahulikkust. Ja muusika vajas sama – pikka ja mõtisklemisele häälestuvat. Indias on muusika ajalugu umbes sama, mis Jaapanis, Hiinas. Sealset muusikat on alati peetud vaid osaks inimese terviseõpetusest, nii füüsilisest, vaimsest kui ka vaimsest. Jooga ja muusika abil püüdis inimene saavutada vaimset valgustumist. Nii tegid ka muistsed indiaanlased. Jah, ja paljud kaasaegsed indiaanlased arvavad nii. Teised ülesanded, teine ​​meeleolu, nii sünnib teine ​​muusika. Harjutusest tundub selline muusika väga pikk, üksluine. Või äkki on see tõesti väga pikk ja üksluine – võrreldes populaarse popi või isegi klassikalise, akadeemilisega. Mozarti või biitlite muusika tekitab meis palju erinevaid emotsioone, meile tundub see energilisem, sisukam ja huvitavam kui vana jaapani muusika. Kinnitan teile, et Jaapani traditsiooniline muusika pole halvem kui Vana-Kreeka muusika, kui klassika: Haydn, Mozart, Beethoven, Prokofjev. Lihtsalt see on teistsugune, meditatiivne, häälestub samale lainele.
Muusik mängib iidset jaapani flööti.

Mitu aastat pead muusikuks õppima?

See tundub olevat väga raske küsimus. Tegelikult on see väga lihtne. Kummalisel kombel pole muusikal sellega mingit pistmist. Kui tahad elus midagi tõsiselt ette võtta, saada professionaaliks, oma ala asjatundjaks, siis saad sellega alles alustada – aga lõpetada on juba võimatu. Muusikud õpivad kogu elu: õpetajatelt, ise, õpilastelt. Ja teadlased õpivad kogu oma elu, väga sageli õpivad oma õpilastelt. Kas arvate, et teie kooliõpetaja ei õpi teie lastelt? Kuidas õppida! Ja pole selge, kes saab tundides rohkem – sina või tema. Kas mäletate, mida Alice ütles filmis Lewis Carroll filmis Alice Imedemaal: "Sa pead jooksma nii kiiresti kui võimalik, et paigal püsida, ja kuhugi jõudmiseks peate jooksma vähemalt kaks korda kiiremini!" See puudutab ainult õppimist. Aga kui tõsiselt rääkida, siis selleks, et muusikainstrumendi, näiteks klaveri, mängimist nautida, on vaja harjutada vähemalt 2-3 aastat. Siis lakkab teie suutmatus instrumendist korralikke helisid välja tõmmata ja saate mängida tehniliselt mitte eriti keerulisi (aga mitte vähem imelisi) muusikapalasid. Mida rohkem muusikat õpid, seda paremaks muutub su tehnika, mida sügavamalt mõistad erinevaid heliloojaid, seda rohkem suudad head muusikat esitada. Või äkki kirjutage midagi oma. See on ka suurepärane. See, et muusikat õpetatakse muusikakeskkoolis 8 aastat, muusikakoolis 2 aastat, konservatooriumis 5 aastat, ei tähenda midagi erilist. Need on konventsioonid. Aga igal juhul on korraliku professionaalse tasemeni vaja muusikat õppida vähemalt 10-15 aastat järjest ja väga kõvasti. Aga milline õnn siis! Milline vabadus! Kogu maailm! Võtke aega muusika õppimiseks!
"Rohus istus rohutirts..."

Kas muusikat õppides on võimalik oma muid võimeid täiendada?

Saab. Ja see on vajalik. Teatavasti on ajus palju erinevaid piirkondi, pooli on kaks ja need töötavad erinevalt. Mõned ajupiirkonnad vastutavad loogilise mõtlemise, teised kujundliku mõtlemise, teised emotsioonide jne eest. Kui laps õpib muusikat ja mängib ise muusikat, siis ehitatakse tema ajus arvukalt “sillasid” erinevate ajuosade vahele (sünaptilised ühendused). Ta kasutab neid sildu edukalt teiste tegevuste tegemisel ja seejärel täiskasvanueas. Võime öelda, et "muusika treenib aju". Sellise lapsega on lihtsam lahendada probleeme, kus on vaja mõned leida ebatavalised lahendused. Väga paljud, peaaegu kõik andekad teadlased, kes millegi tõeliselt uue välja mõtlesid, mängisid ise muusikainstrumente ja armastasid muusikat.

Kas lapsepõlves on võimalik saada suureks muusikuks?

Kõik suured täiskasvanud muusikud olid kunagi lapsed. Võib-olla olid nad omal ajal suurepärased väikesed muusikud, kuid see on ebatõenäoline. Ajaloo jooksul pole palju suurepäraseid muusikuid, kes on näidanud üles silmapaistvaid võimeid varases lapsepõlves. Tavaliselt töötasid nad pikka aega ja arendasid oma loomulikke andmeid. Tuntuim muusik, kelle võimed ilmutasid end väga varakult, on loomulikult Mozart. Ta lõi muusikat ja esitas seda meisterlikult nelja-aastaselt. Aja jooksul tema talent ainult tugevnes, kuni Mozart suri. Siis pole enam tugev. Franz Liszt oli ka imelaps. Ja nüüd on väga võimekad musikaalsed lapsed. Ameerika neiu Jackie Ivanko, soprani laulja, laulab juba kaheteistkümneaastaselt väga keerulisi aariaid, esineb tohututel lavadel. Venemaal, Hiinas ja paljudes riikides on praegu geek-muusikuid. Kuid enamasti pole teada, miks sellistest lastest kasvavad välja suurepärased muusikud. Hea - jah. Kuskil nad oma arengus peatuvad. Tõenäoliselt arenevad sellised lapsed lihtsalt väga kiiresti ja kiirus pole siin peamine.
Kuidas saab siis väikesest inimesest saada suurepärane muusik? Kõigepealt tuleks hoolega mõelda – kas sa tahad saada suureks muusikuks? Lõppude lõpuks on nende elu väga raske. Nad liiguvad pidevalt ühest kohast teise, reisivad mööda maailma, elavad hotellides, neil pole kodu, nad suhtlevad harva sõprade ja perega, neil pole lihtsalt aega. See on väga raske töö, raske elu. Oletame, et otsustasite ikkagi saada suurepäraseks muusikuks. Siis tuleks minna mõnda heasse muusikakooli või konservatooriumisse ja proovile panna oma kõrv, muusikalised võimed. Kui võimet hinnatakse kõrgelt – hea, see on järgmine samm, saab edasi minna. Aga kui neid kõrgelt ei hinnata, ei tähenda see midagi. Toon vaid ühe näite. Silmapaistev dirigent Valeri Gergijev visati lapsena mitu korda erinevatest muusikakoolidest välja tema "täieliku suutmatuse tõttu". See ei takistanud tal saamast tõeliselt suureks muusikuks, ta erines lihtsalt tavalastest nii palju, et tavalised muusikaõpetajad ei osanud tema võimeid õigesti hinnata. Tõsi, see on pigem erand reeglist.
Seega on sul leitud head muusikalised võimed. Nüüd otsima hea õpetaja muusika. Kuid mitte lihtsalt hea, vaid sobib teile. Ja olla õpetaja. Lõppude lõpuks peate järgmise kümne aasta või rohkemgi aasta jooksul palju aega koos veetma. Võib-olla veedate sellise õpetajaga rohkem aega kui ema ja isaga. Indias öeldakse, et õpetaja, guru valik määrab inimese kogu edasise elu. Olete valinud õpetaja. Täpsemalt – Õpetajad, suure algustähega. Ja Meister valis sinu. Nüüd on teil palju aastaid aega, et iga päev tema juhendamisel rasket muusikat õppida. See pole sugugi lihtne asi. Tahad lollitada ja mängida jalgpalli või arvutis mõnda mängu, sul ei jätku paljude asjade jaoks aega. Kuid peate muusikas püsima. Muidu on see võimatu. Sama kehtib ka spordi, matemaatika ja kõige muu kohta. Võimed – Õpetaja – Visadus. Nii sünnivad suurepärased muusikud, suured teadlased, suurepärased sportlased.
Ja muide, ärge uskuge, kui teile öeldakse, et "karu astus sulle kõrva peale". On ohtlik pettekujutelm arvata, et sulle midagi “ei ole antud”. Valesti laulmise oskusel pole inimese kuulmisega praktiliselt mingit pistmist. Ta peab lihtsalt "hääle panema". Iga kooriõpetaja või solfedžoõpetaja saab sellega hästi hakkama. Üks peab treenima kauem, teine ​​vähem. Kuid see töötab kõigi jaoks nõuetekohase hoolsusega. Siin pole midagi keerulist. Me kõik oleme erinevad. Ideaalis on sellele keskendumine väga kasulik kuulus ütlus Johann Sebastian Bach: "Pidin väga usinalt õppima: kes on nii usin, see saavutab sama."
Väike Mozart tuuril koos isa ja õega.

- Kuidas muusika helilooja pähe ilmub?

Loomulikult ilmub iga üksik muusika iga üksiku helilooja peas erineval viisil. Ja vaevalt, et saan vastata kõigi heliloojate eest, sest ma pole isegi helilooja, kuigi armastan muusikat komponeerida, improviseerin ja mängin muusikainstrumente. Siiski on võimalik tuvastada mõningaid üldisi mustreid. Ütleme nii, et peaaegu kõigil heliloojatel on pea.
Unustame korraks muusika. Võtame... No mis me võtame? Näiteks joonistamine. Siin pole te nii palju aastat vana ja teil paluti maalida Philip Kirkorovi poolpikk portree õliga. Nad annavad sulle lõuendi, värvikomplekti ja ütlevad – joonista. Kardan eksida, aga Philip Kirkorov ei jää ilmselt tulemusega rahule. Ja miks? Tõenäoliselt ei näe see väga sarnane välja. Ja miks? Jah, sest te ei tea ikka veel, kuidas portreesid joonistada. Ja miks? Sest õppimine võtab kaua aega.
Algul õpetatakse kunstikoolis joonistama lihtsaid esemeid: palle, kuubikuid, kipsbareljeefe. Pliiats või süsi. Värv puudub. Paralleelselt uurivad nad inimkeha ehitust, proportsioone looduses. Õppige kompositsiooni. Värvide ja lakkide omadused. Palju asju uuritakse. Ja alles siis, kui oled õppinud lihtsaid asju joonistama, saad liikuda edasi keerukate juurde. Ja siis algab loovus. Hea kunstnik püüab tabada emotsiooni, muljet. Headel portreedel on ka näha, millest joonistatu mõtleb, milline iseloom tal on. Siin ei piisa ühest joonistamistehnikast, vaja on talenti. Kuid ilma seda annet realiseerida ei saa aastatõpipoisiõpe, ilma pikema enda kallal töötamata.
Sama olukord on helilooja ja tema peaga. Sellist elukutset nagu helilooja pole olemas. Algul õpivad kõik tulevased heliloojad lihtsalt mängima mingit muusikainstrumenti: klaverit, viiulit või trummi. Ja õpitakse muusikateooriat, muusikaajalugu, õpitakse laulma, uuritakse erinevate pillide kõla. Võib tunduda, et see, mida neile õpetatakse, pole väga vajalik. Kuid ilma teadmiseta muusikateoste arranžeerimisest, ilma muusikalise harmoonia tundmiseta on raske isegi muusikat hästi esitada, rääkimata selle komponeerimisest. Reeglina õpivad heliloojad enne oma muusika loomist kellegi teise muusikat esitama ja uurima oma emotsioone teistele inimestele edasi andma. Ja siis lööb talent uuesti välja. See on nagu säde, nagu teadvustamata idee, nagu pilt, mis sünnib helilooja peas. Muusika võib tekkida unenäost, eredast muljest või kogemusest. Sellised kujundid sünnivad ilmselt kõigis inimestes. Kuid see seeme, see idee peab kukkuma ettevalmistatud pinnasele. Kui inimene on muusik, siis ta oskab komponeerida muusikat, luua muusikapala. Kunstnik saab luua samast pildist pildi, kirjanik võib kirjutada raamatu, luuletaja võib luua luuletuse. See on justkui unistus ilus maja või palee. Tavaline inimene ta unustatakse ja arhitekt võib tahta sellise maja ehitada. Siis on vaja käsitööd, ehitustehnikate tundmist.
"Jack O'Lantern" kõrvits Halloweeniks.

Kallid lugejad! Saatke meile oma "naiivsed" küsimused muusika kohta! Anname need edasi Aleksei Nasretdinovile ja avaldame tema vastused ühes järgmistest ajalehtedest. Ja viis autorit parimad küsimused saavad kirjastuse "Boslen" raamatud: "Gimlet helilainetel" ja "Gimlet Kreekas" koos autori autogrammiga.

Heategevusliku haridusprojekti "Lühidalt ja selgelt kõige huvitavama kohta" seinalehed (saidi sait) on mõeldud Peterburi koolilastele, vanematele ja õpetajatele. Saadavad enamikule tasuta õppeasutused, samuti mitmetele linna haiglatele, lastekodudele ja teistele asutustele. Projekti trükised ei sisalda reklaami (ainult asutajate logod), poliitiliselt ja usuliselt neutraalsed, kirjutatud lihtsas keeles, hästi illustreeritud. Need on mõeldud õpilaste teabe "aeglustumiseks", kognitiivse tegevuse ja lugemissoovi äratamiseks. Autorid ja kirjastajad avaldavad, väites, et nad on materjali esituses akadeemiliselt täielikud Huvitavaid fakte, illustratsioonid, intervjuud tuntud tegelased teadust ja kultuuri ning loodan sellega suurendada koolinoorte huvi õppeprotsessi vastu. Palun saatke kommentaarid ja ettepanekud aadressile: [e-postiga kaitstud] Täname Peterburi Kirovski rajooni administratsiooni haridusosakonda ja kõiki, kes ennastsalgavalt seinalehtede levitamisel kaasa aitavad. Eriline tänu Aleksei Nasretdinovile soosiva suhtumise eest meie projekti traditsioonidesse, aga ka haruldase kombinatsiooni materjali uurimise sügavusest esitusstiili kergusega.

Kindlasti unistab iga muusikaga tegelev inimene tulevikus muusikuks saada. Ja see pole üllatav, sest seda tüüpi tegevus on praegu kõige populaarsem. Inimesed, kes mõtlevad, kuidas saada muusikuks, kujutavad enda ümber otsekohe fännide rahvahulka, kes tabavad iga su muusika heli.

Praegu on olemas suur hulk võimalusi ja võimalusi oma muusikalise ande arendamiseks, sest õppeasutusi on palju. Jah, ja alustuseks mõeldud pilli saab osta väikese summa eest ja alles pärast selle mängimist on võimalik rääkida tõelisest mängust ja professionaalsematest pillidest.

muusikaline tee

• Alustuseks oleks tore muusikakoolis mõned algoskused omandada. Juhtub ka seda, et tänu visadusele saavutavad inimesed häid tulemusi, kuid selle kõik otsustab juhus. Seetõttu peaksite esmalt omandama muusikalise hariduse ja seejärel unistama, kuidas saada kuulsaks muusikuks. Vähesed inimesed tahavad seista tänaval ja mängida näruse kopika eest ning ilma haridust omandamata saab kõik nii olema. Seega, kui inimesed ütlevad, et tahan saada muusikuks, peaksid nad esitama endale kõige kõrgemad nõudmised.
• Tore oleks omada häid sidemeid ning olla oma sõprade seas tuntud ja populaarne. On inimesi, kes teistega suheldes räägivad oma tööst, eelkõige lauludest. Ja teised saavad oma laulu sisse panna sotsiaalvõrgustik, mis võimaldab teil kuulata teiste inimeste arvamusi, mis võib tulevikus muusiku loomingut parandada või täielikult ümber teha.
• Muusikukarjääri nimel tuleb iga päev pingutada, mitte ainult unistustele ja soovidele järele anda, nagu tahaks muusik olla. Pinguta rohkem ja harjutamine annab aina rohkem lootust positiivsele tulemusele. Kuid me ei tohiks unustada, et igal asjal on oma aeg. Paljude aastate praktika ja pikaajaline treening annab positiivseid tulemusi.
• Peate olema oma unistuste kinnisideeks ja leidma endale partnerid. Kõik see aitab leida hulga fänne ja saada populaarseks. Tõepoolest, üksi on raske uskuda, et teil on õigus, samas kui teised ütlevad teile, mis on parem, ja toetavad teid ebaõnnestumiste korral.
• Otsustage oma talenti või seda, millist instrumenti saate probleemideta mängida. Lõppude lõpuks, millised muusikud on olemas - on neid, kes mängivad klaverit, on neid, kes mängivad kitarri, peate lihtsalt kõigepealt otsustama. Parem on muidugi olla generalist, kuid kui valite ühe tööriista, saate tõestada oma professionaalsust, mis on lihtsalt imeline. Peale kõike seda tõuseb enesehinnang ja suureneb valmisolek “oma” koht võita.

Mentori leidmine

Kes, kui mitte mentor, suudab algajalt talendi "välja tõmmata". Lõppude lõpuks on tema see, kes teab selliseid peensusi, mis aitavad äritegevuseks kasulikult aega veeta. Ja oma võimeid on üsna lihtne proovile panna. Tasub imestada, kui palju sa muusikaga tegelenud oled, ja usu mind, kui sul sellest igav ei hakka, siis oled sellesse suhtunud. Püsivus ja töökus on edu garanteeritud.

Tegelikult on kõik üsna lihtne ning muusikuks saamise mõistmisel pole takistusi ja piiranguid. Kui mõistad, et inimesed tõmbavad sinu poole, siis leidub alati mentor. Kuid ärge lootke sellele liiga palju. Peaasi on uskuda endasse ja oma annetesse!

Ameerikas on nali: Nii et sa oled laulukirjutaja? Ja mis restoranis sa töötad?". Paljud autorid, keda nüüdseks teavad kogu maailm, elasid enne muusikaäris tuntuks saamist väga erinevatest asjadest. Kõik need aastad võtsid nad aega, et liikuda laulukirjutamise edu poole.

On selge, et täiskohaga töötada, sõprade ja sugulastega suhteid hoida, kõiki meile pandud kohustusi täita on üsna raske. igapäevane elu, ning samal ajal leida aega ja energiat laulude kirjutamiseks. Kuid praktiliselt iga praegu edukas autor on pidanud seda kõike varem kombineerima.

Kui sul pole kirjutamiseks piisavalt aega, vaata lähemalt, kuidas oma aega veedad.

Tunnid, mis veedetud teleri ees, Interneti-vestlustes või selleks Arvutimängud, saab kulutada laulude kallal töötamiseks. Mõne jaoks võib inspiratsioon ärgata hommikul, siis saab tund varem ärgata ja kirjutada, kuni keegi sind ei sega, või vastupidi, kellelgi on mugavam tund enne magamaminekut kõrvale panna. Selle asemel, et kurta, et te ei leidnud aega lugude kallal töötamiseks, uurige, mille peale te seda raiskate.

Ärge laskuge võlgadesse, mõeldes, et saate vastu pidada seni, kuni teist saab järsku ülimenukas kirjanik; tee eduni võtab tõenäoliselt palju kauem aega, kui võiks arvata. Realistlikud tulevikuprognoosid aitavad teil hoida õiget perspektiivi ja mitte kaotada lootust tõelise läbimurde ootuses.

Vahepeal, nagu teil on soov saada kuulsaks muusikuks (DJ), superhittide autor ja selle eesmärgi saavutamine võib kesta aastaid. Soov eesmärki saavutada ja optimism on väga olulised asjad. Aga kui mõni ambitsioonikas laulukirjutaja ütleb, et tema laul jõuab järgmise aasta jooksul kõikidele hitiparaadidele ja edetabelitele, siis jääb üle vaid naeratada ja öelda, et loodame, et just nii läheb. Tõenäosus, et see juhtub, on sama väike kui sama päeva jooksul kaks korda välklöögist.

Efektsete laulude kirjutamise oskus saavutatakse aja jooksul, sellist oskust võib võrrelda areneva õppeprotsessiga. See on nagu laps, kes õpib kõndima. Tõepoolest, selle õppimiseks peab ta valdama paljusid oskusi: esmalt arendama lihaseid, õppima tasakaalu hoidmist, õppima palju muud, et kõik need oskused viiksid ta esimeste ebakindlate sammudeni. Mõnda oskust ei saa kohe selgeks õppida – nende arenemine võtab aega. Sama juhtub autoritega.

Siit leitavad näpunäited aitavad teid. Kuid kui teil pole erakordset õnne, on tee eduni pikk, paljude takistuste, pettumuste ja ebaõnnestumistega. Loodetavasti, kuna te seda nüüd teate, olete õppeprotsessis kannatlikum. Mõned tänapäeva edukad autorid on aastaid elanud ebaõnnestumise tõttu depressioonis, selle asemel, et vaadelda oma elu kui teekonda teel eduni. Seal on tuhandeid lugusid äärmiselt edukatest lugudest, mis salvestati ja millest said hitid palju aastaid pärast nende sündi.

Ületage edu takistused.

Lugematul hulgal laule, mille artistid algul tagasi lükkasid, kuid siis salvestasid ja neist lugudest said hitid. Mõnikord võidakse laulu tagasi lükata, kuna see on veidi vähem hea kui teie konkurentide kirjutatud laulud või kuna see ei sobi konkreetse projektiga hästi. Inimesed, kes kuulavad iga päev kümneid lugusid, võivad eksida. Peaaegu igal muusikatööstuse professionaalil on lugu (mida ta ei pruugi mainida), et ei hinnata üht või mitut hiljem hittideks saanud laulu. Mõnikord võib vastus "ei" tähendada, et peate olema loominguline ja leidma teisi viise, kuidas oma laul kuuldavaks teha. Artisti A&R ei pruugi lugu hinnata, kuid artistile ja produtsendile võib see meeldida. Võib-olla hindab laulu artisti direktor või mõni muu ettevõtte esindaja. Ära lase ebaõnnestumisel end peatada. Võib-olla tasub proovida teist ust.

Kui hittide kirjutamise oskus oleks lihtne ja kergesti saavutatav, siis iga autor kirjutaks ainult hitte. Püüdliku autori ja edu vahel on palju tõkkeid. Mõnikord on suurimad takistused need, mille me endale ise loome. Neid on kõige raskem näha.

Oskuste arv, mis edukal kirjanikul peab olema, võib tunduda kättesaamatu. Lisaks sellele, et peate teadma laulude ülesehitust, sõnade ja meloodiate kirjutamise tehnikat, vajate ka visadust, tahet töötada väsimatult, teadmisi demoproduktsioonist, teil on vaja leida kirjastaja, õppida palju muusikaäri kohta, looge sidemeid, leidke mõttekaaslasi ja õppige oma laule reklaamima.

Hea uudis on see, et te ei pea seda kõike korraga tegema. Tehke nimekiri oma tugevatest külgedest autorina. Kaasake oma oskused mõjusate meloodiate ja sõnade kirjutamisel, aga ka sellised omadused nagu sihikindlus, soov kõvasti tööd teha ja oskus professionaalselt autoriäri juhtida. Kui näed oma tugevaid külgi ja nõrgad küljed paberile kirjutatuna on teil lihtsam esile tõsta valdkondi, millele peate keskenduma. Eraldi võib välja tuua ühe või kaks valdkonda, mille töödest tuleb ennekõike keskenduda, seejärel samamoodi ülejäänud enda kanda võtta. Samuti on oluline koostada plaan, mis seab vahetud ja pikaajalised eesmärgid. Ärge öelge endale: "Üks minu lugu on kolme kuu pärast kõigis raadiojaamades hitt." Seda ei juhtu isegi siis, kui kirjutasite eile suurepärase laulu. Laulu salvestamiseks, müügiks avaldamiseks ja edetabelitesse tõusmiseks kulub tublisti üle kolme kuu. Kasulikum oleks öelda endale näiteks: "Kirjutan viis päeva nädalas pool tundi, keskendudes eelkõige narratiivsetele tekstidele, mis tõmbavad inimesi olenemata staatusest ja mis tulevad otse südamest."

Plaane on tavaliselt lihtsam teha, kui neist kinni pidada. Kui see on teile raske, leidke kaasautor, kes aitab teil seda plaani järgida.

Pöörake tähelepanu takistustele, mida endale loote. Analüüsige, mis takistab teil eesmärki saavutada, millele täpselt ei lase aega kulutada loominguline tegevus ja arendada välja mõned vajalikud oskused ning hävitada need ükshaaval.

Autorina arenemise algfaasis on kõige parem keskenduda oma oskuste ja meisterlikkuse lihvimisele. Kui oled kirjutanud vähemalt aasta ja sul on paarkümmend laulu valmis, tuleb hakata mõtlema ka asjade kommertslikule poolele.

Üks autoriäris edukaks olemiseks vajalikke põhioskusi on vastupidavus vältimatule tagasilükkamisele ja sellega kaasnevale pettumusele. Oma unistusi taotlevaid kirjanikke ja allaandvatest kirjanikest eristab see, et nad saavad oma ebaõnnestumisest tingitud pettumused muuta veelgi tugevamaks eduks. On vähemalt tuhat põhjust, miks teie laulu ei aktsepteerita. Kui saadud vastukaja annab mõista, et oled kirjutanud tugeva loo, aga see ei sobi seltskonnale ega artistile, siis pole sa lihtsalt veel leidnud oma laulule õiget kohta. Aga kui saate pidevalt vastuseid, et laul ei vasta professionaalsetele standarditele või on vaja midagi konkreetselt muuta, siis peate seda muutma.

Ligikaudsete hinnangute järgi toovad vaid 5% nende kirjutatud lauludest tulu professionaalsetele autoritele, ülejäänud 95% ei saa kunagi äriliselt edukaks. Huvitav on see, et edukaks saamiseks peavad laulukirjutajad ühelt poolt panema oma lauludesse oma südame ja hinge ning arendama nendest lugudest eraldatuse tunnet, et taluda pettumusi, mis mõnikord võivad olla laastavad. Pidage meeles, et teie väärtust inimesena ei määra autori ärilise edu tase.

Siin õiged viisid, mis võimaldavad teil pettumusega toime tulla ja veelgi tugevamaks saada:

1. Õppige igast sündmusest õppima.

Küsige endalt, kas selles tagasilükkamises on midagi positiivset. Kas on õppetund – võib-olla tuleb selles laulus või lugudes, mida kavatsete kirjutada, või äritegevuses midagi muuta? Jääge vastuvõtlikuks konstruktiivsele kriitikale.

2. Suurendage keskendumist.

Ühed edukamad inimesed mis tahes valdkonnas on need, kes kasutavad iga oma ebaõnnestumist motivaatorina, et oma eesmärkide nimel veelgi rohkem pingutada. Kui ütlete endale: "Ma näitan sulle, kui head mu laulud võivad olla. Ükskõik kui kaua see aega ei võta, ma kirjutan nii võimsa laulu, et seda ei saa tagasi lükata," on see palju produktiivsem kui öelda, "Ma arvan, et see tõestab, et ma ei ole võimeline laule kirjutama. Ma ei saa kunagi edukaks."

3. Hinda oma võimeid realistlikult.

Võib-olla peate oma ootusi ümber hindama. Võib-olla on teie tulevikunägemus liiga kõrge võrreldes selle etapiga, milles te autorina praegu olete. Kui kirjutate ainult 1-2 aastat oma vabast ajast, on ebareaalne oodata, et teie laulud oleksid sama head kui need, mille on kirjutanud professionaalsed laulukirjutajad, kes on aastaid oma käsitööd lihvinud.

4. Ära kunagi anna alla (nii kaua kui naudid protsessi).

Pidage meeles, et kui te pole veel saavutanud mõnda konkreetset edu avaldust, ei tohiks sellele mõtlemine takistada teid tulevikus oma eesmärke saavutamast.

Mitte iga kirjanik, kes neid näpunäiteid loeb, ei näe, et nende laulud tõusevad edetabelite tippu. Mõned võivad näha. Kuid iga autor, kes teeb kõvasti tööd, lihvib oma käsitööd, jäädes samas vastuvõtlikuks konstruktiivsele kriitikale, kasvab ja täiendab oma oskusi edasi. Laulu kirjutamise protsessist naudingu leidmine, rahulolutunne, mis kaasneb teadmisega, et olete oma mõtteid edastanud viisil, mis kajastub teiste südametega – see ongi edu eesmärk. Head reisi!

Paljud algajad muusikud, kes on tõsiseltvõetavad ja plaanivad oma muusikarühmas edu saavutada, esitavad endale küsimuse: kuidas saada kuulsaks muusikuks? Räägime täna sellest, kuidas alustada, koondada grupp ja sillutada oma teed kuulsuse poole .. Noh, kui teil on õnne, et õnnestub või mitte, sõltub see juba paljudest teguritest.

Küsimuses "Kuidas saada kuulsaks muusikuks" on alus luua koos õige bänd õiged inimesed. Tavaliselt tahavad algajad muusikud luua rokkbändi ja me lähtume sellest. Tõepoolest, popmuusikas võivad reklaamimise ja reklaamimise põhimõtted olla väga erinevad.

Kuid määratleme, mis tüüpi rokkbändid on:

1. Meeskond. Seda tüüpi rühm tähendab, et kõigil osalejatel on sama prioriteet, peamist pole, kõik otsused tehakse kollektiivselt.
2. Juht + teised liikmed. Sellise rühma kohta on palju näiteid. Sel juhul on selge juht, kelle sõna on määrav, ja rühma liikmeid on teisigi. Kui liider mingil põhjusel grupist lahkub, siis see (grupp) enamikul juhtudel lakkab olemast, sest kogu point oli juhis ja ilma temata pole grupp juba "sama".
3. Sõltumatu kunstnik. Ka selliseid näiteid on palju. Sel juhul teeb inimene kõike üksi.

Algajatele muusikutele oleks parem luua meeskond (esimene rokkbänd). Sel juhul otsustate kõik koos oma meeskonnaga. Nagu öeldakse, "Üks pea on hea, aga kaks (kolm, neli...) on parem".

Kuid loomulikult on teie otsustada, millist tüüpi meeskonda valida.

Materjali salvestamine

Oletame, et on juba rokkbänd, kõik tehnilised probleemid on lahendatud, on räpp. alus (tavaliselt garaaž), ostetud pillid jne. On aeg hankida materjal (muusika). Tahan kohe öelda, et isegi aasta pärast grupi loomist ei pruugi te ikkagi oma esimest albumit salvestada. Jällegi, kui kõiksugu pisiasju ja nüansse otsustatakse, olete te ju selles asjas algaja. Nii et ole kannatlik ja hakake looma.

Üldiselt saate võimalusena teha kuulsate kompositsioonide kavereid ja nendega esineda, kuigi oma laule pole. Seda teevad paljud ambitsioonikad rokkbändid.

Grupi esialgne edutamine

Muidugi selleks, et keegi sinust teada saaks, pead sa ennast aktiivselt deklareerima, muidu pole kuidagi võimalik, sest sul pole produtsenti, kes sind promodaks.

Alustada tuleb sotsiaalsest võrgud. Looge kõigis teadaolevates suhtlusvõrgustikes. võrkude, gruppide, profiilide jms oma rokkbändiga ning postitage sinna mitmesugust teavet, et teie fännidel oleks midagi lugeda ja vaadata. Postitage fotosid, videoid proovidest, lauludest, esinemistest jne. Te peaksite lugejatele meeldima.

Võib-olla on see kõige elementaarsem asi, mida saate alguses teha. Tulevikus, kui teil veab, räägivad teie fännid sinust oma sõpradele ja nemad – nende omadele, saate sellest suust suhu. Nii võib jutt sinust kiiresti üle riigi levida, muidugi eeldusel, et oled oma töös tõesti hea.

On aeg esineda. Aga kus me saame esineda, kui keegi meid ei tunne? Keegi ei kutsu meid ju suurde kontserdipaika, sest grupp pole kellelegi tuttav.

Alustuseks saate uurida teie linnas toimuvate erinevate rokifestivalide loendit. Otsige üles, kes festivali juhib, ja paluge seal esineda. Paljud festivalid on suunatud vähetuntud bändidele ja annavad neile võimaluse end näidata.

Aga selleks, et sind lavale panna, peab juht mõistma, et oled seda väärt ja hästi esinema. Seetõttu ärge laske teda alt vedada: hankige hea tehnika, leidke häid muusikuid, valmistage ette väärt repertuaar, et mitte mudasse kukkuda, vastasel juhul võivad teie fännid (see väike osa, mis teil õnnestus omandada) teist eemale pöörata ja teie au ei näe.

Lisaks saate uurida oma linna klubide nimekirja. Tulge igaühe juurde ja küsige pealikult võimalust nende klubis esineda. Mõned võivad meelsasti nõustuda. Ja kui kõik läheb nii nagu peab, siis on teil uusi fänne ja klubi asutajad kutsuvad teid rohkem kui üks kord.

Ja jah, mis kõige tähtsam: oma rokkbändi muusikukarjääri alguses ärge mõelge sissetulekutele, mõelge ainult sellele, kuidas koguda suur nimekiri kuulajatest, kellele teie töö meeldiks, üldiselt fännidele. Võtke vastu kõik kõnepakkumised, isegi need, mis teile kasumit ei too. Vähemalt mõned uued inimesed saavad sinust teada.

Jah, selgub, et oma karjääri alguses te mitte ainult ei teeni raha, vaid olete alguses üldiselt miinuses (selle kohta saame teada allpool). Seetõttu loobuvad paljud pürgivad bändid muusikast, kui nende bänd kasumit ei too. Tõenäoliselt ootasid nad kohe suuri tasusid, kuid said ainult kulutusi. Seetõttu peate tegema kõike asjatundlikult ja oma peaga.

Kui oled väikesest kollektiivist muutunud enam-vähem tuntud seltskonnaks, siis on sul vedanud, sinu töö pole olnud asjata. Nüüd, kui kõik teavad teist rohkem inimesi, saate liikuda väikestelt klubidelt suurematele saitidele. Selleks kirjutage ettepanekud koos sooviga esineda erinevates kontserdisaalides, esinemispaikades. Ja mitte ainult oma linnas, vaid ka naaberlinnades. Veelgi enam, nüüd on seda mugav teha - te ei pea minema naaberlinna. Kontserdipaigad leiab internetist, kust leiab kontakte ja asutajatega ühendust.

Ja selles etapis võite juba mõelda mõnele sissetulekule. Kõige olulisem asi, mida peate õppima, on see, et teie sissetulek (grupi sissetulek) sõltub teie kontserdile tulnud inimeste arvust. MITTE piletihinna, vaid inimeste arvu järgi. Pealegi ei riku te alguses piletite tohutuid hindu.

Oma grupi populaarsuse edasiseks suurendamiseks tehke lihtsalt oma tööd hästi – kirjutage head ja kvaliteetset muusikat, andke välja uusi albumeid, ärge seiske paigal. Pealegi on teil juba oma kuulajaskond!

Rohkem pole vaja midagi teha, siin aitab teid ainult õnn. Paljud jäävad sellele tasemele (reidavad kontsertidega erinevatesse väikestesse kontserdisaalidesse) ja keegi saab ülemaailmse kuulsuse ja populaarsuse. Muide, keegi ei tea siiani, mis määrab populaarsuse..

Kulud

Noh, lõpetuseks tahaksin natuke rääkida kuludest, mis teid reisi alguses ootavad. Peaksite kohe olema valmis selleks, et peate kulutama palju raha. Muidugi on numbrid igaühe jaoks erinevad.

1. Grupi loomise kulud. See hõlmab - tööriistade, seadmete, räpi ostmist. alus jne. Selle kohta saad täpsemalt lugeda siit -
2. Laulude salvestamine. Loo salvestamine maksab umbes 50 tuhat rubla. Muidugi oleneb kõik stuudiost. Töö hind stuudios - 1-2 tuhat rubla. Kokku võib albumi salvestamine kesta kuni 500 tuhat rubla! Muidugi, kui stuudios töötab teie heaks mõni tuttav või sõber, siis on teil õnne: loo salvestamine võib teile vähem maksta. Säästa saab veelgi: näiteks on ka mõne osa ise arvutis registreerimine üks võimalus.
3. Rokkbändi reklaam. Meie jaoks on reisi alguses kõige olulisem reklaam sotsiaalvõrgustikes. võrgud. Kui valite umbes 10 tuhat rubla kuus sotsiaalvõrgustike reklaamilehtede ja rühmade jaoks. võrkude kaudu, võite saavutada häid tulemusi.

Saate arvutada, kui palju teie investeering teile maksma läheb. Mõelge enne oma rokkbändi loomist tõsiselt. Lõppude lõpuks ei saavuta paljud rühmad kunagi edu ja loobuvad oma tööst, kui mõistavad, et nad kulutavad ainult raha ja sissetulekut pole.

Järeldus

Niisiis, oleme teiega õppinud, kuidas saada kuulsaks muusikuks. Ja tõelist edu saavutavad vaid need, kelle jaoks muusika on elu. Seega, kui sulle muusika tegemine väga ei meeldi, vaid tahad lihtsalt populaarsust, kuulsust ja raha, siis ei tasu muusikalist kollektiivi luua. Kui te ei suuda enda jaoks muud elu ette kujutada, kui rokkbändis esineda, siis kõigepealt mõelge kõik hoolikalt läbi ja analüüsige.

Samuti peaksite mõistma, et muusik on ka töö. Valmis tuleb olla suureks tööks, pidevaks kolimiseks, reisimiseks.

Edu kõigis teie ettevõtmistes! 🙂